Aqui dispones de algunos enlaces para conocer la noticia en profundidad

http://www.levante-emv.com/comunitat-valenciana/2010/03/06/

http://www.elpais.com/articulo/espana/

http://www.elmundo.es

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ADOLF BELTRAN / FEDERICO SIMÓN

Exigen un código de buenas prácticas en la institución

Las críticas a la gestión de Consuelo Ciscar al frente del Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) por su línea de exposiciones errática y por la pérdida de prestigio siguen arreciando. Ahora llega el turno de los galeristas, los críticos de arte y los artistas visuales, que han solicitado al Ministerio de Cultura que exija al museo de Valencia la aplicación del Código de Buenas Prácticas implantado por el Gobierno que “ha demostrado su eficacia en el funcionamiento de instituciones en numerosos puntos del Estado español”. De hecho, hasta exigen que “valore la idoneidad de las subvenciones” concedidas “a instituciones que están lejos de cumplir el citado código”, con una referencia explícita al IVAM.

Así lo comunican en una carta remitida al ministerio por la asociación Ciutadans per una cultura democràtica i participativa, suscrita por la Associació Valenciana de Crítics d’Art (AVCA), la Associació de Galeries d’Art Contemporani de la Comunitat Valenciana (AGACCV) y Artistas Visuals de València, Alacant i Castelló (AVVAC).

“Nos parece impresentable que Ciscar pida más dinero al Gobierno para hacer una gestión mejor cuando con el que tiene ha hundido el museo”, se queja Josep Benlloch, presidente de Ciutadans, que pregunta: “¿Qué artistas internacionales ha traído en estos años? En comparación con sus predecesores, [Vicent] Todolí o [Carmen] Alborch, lo que exhibe ahora es ridículo”. Y compara la “programación provinciana” del IVAM con la que hacen el Reina Sofía de Madrid o el Macba de Barcelona, que “muestran exposiciones de relevancia internacional”. Benlloch critica que esté al mando del museo de Valencia una política “que no es una experta en arte contemporáneo aunque firme como comisaria de las exposiciones”.

Por eso, el presidente de Ciutadans exige que se convoque un concurso nacional o internacional para seleccionar un gestor que tenga una línea de programación adecuada con el objetivo de dar a la institución la relevancia y repercusión que se merece. Y Benlloch hasta pone el ejemplo de dos museos que han hecho esa convocatoria en autonomías gobernadas por el PP: el Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC), en Santiago de Compostela, y el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (Musac), en León.

En el comunicado se pide el mismo tipo de concurso para el Museo de Bellas Artes San Pío V, tras la retirada de su director.

La identidad del arte actual es revisada en cuatro muestras bajo el título Confines, Valencia 09. Las obras expuestas son válidas, pero las premisas teóricas flaquean

Un conjunto de cuatro exposiciones presentadas bajo el título de Confines, Valencia 09. Pasajes de las artes contemporáneas puede dar para mucho. Y así es, en efecto. Pese a todo, el principal problema es que “confines” resulta ser una palabra que no significa nada. Tal vez por eso en el catálogo encontramos tantos y tantos textos (más de quince) que se esfuerzan en explicarnos el asunto: ‘Pensar el confín’, ‘Historias del confín’, ‘Geografías del confín’ y ‘Visiones del confín’. Es claro que son muchos los autores aparentemente versados sobre el problema del “confín”. Y no es extraño, puesto que confín (o límite, o frontera) no significa nada en absoluto que no signifique lo contrario de lo ilimitado. Ahora bien, expertos en lo ilimitado los hay, por lo visto, a mansalva.

De todos modos parece un poco chocante que Vincenzo Trione, alguien apreciable e inteligente, y que se encuentra tras este proyecto, sea capaz de hablar, en sus páginas de presentación del asunto, de “las fronteras de lo visible”, las “gramáticas de la creación”, “el suicidio de Cézanne”, “la escritura del horizonte”, “las puertas de lo invisible”, “los laberintos de la percepción”, las “heridas del mundo” y “los límites del cielo”, entre otras cosas igualmente importantes, por no hablar de aquellas que he echado en falta, y de las que no me acuerdo ahora mismo. Dice Trione también que los confines (necesarios, claro está) son “invenciones y, a la vez, realidades”. Yo creo recordar que esto ya lo sostuvo Hegel, pero no importa, porque hasta el viejo Heráclito de Éfeso, remitiendo al logos, y no a sí mismo, fue algo menos barroco y más certero.

No obstante, los textos no nos deberían desorientar más de la cuenta. El arte no depende (sólo) de los textos, sino (sobre todo) de sí mismo. De hecho, las obras que componen esta cuádruple exposición se encuentran, en general, bastante por encima de sus particulares peroratas presuntamente justificatorias. Hay una sección, a manera de prólogo, titulada Historias del confín. Obviamente, no hay manera de hacer historias del confín, de modo que la cosa se resuelve con obras que son valiosas, pero que podrían ser sustituidas por cualesquiera otras. ¿De qué hablamos? Pues de Rothko, Newman, Stella, Buren, Soulages, Tàpies, Fontana, Scully, los valencianos Sanleón y Navarro (buenas contribuciones, por cierto), y de dos piezas anodinas de Carl Andre. Hay también piezas del gran Matta-Clark, unas fotos muy bien montadas e iluminadas (esto Trione lo hace realmente bien), que se agradecen.

Hay otra sección, de cuyo nombre no estoy seguro (Geografías del confín, me parece, o bien Poderes de la ten[sión] -mayúscula mía, el resto no-, a propósito de la cual Aaron Betsky escribe un texto titulado El arte de las fronteras. En él, aparte de hablar de la “disolución” del arte, cosa que, según se deduce, aprendió tras ciertas experiencias infantiles (con microscopios en “la clase de ciencias”, que le hizo consciente de lo “inestable” del “universo”), y tras estudiar debidamente a Foucault y Derrida, nos habla de píxeles, mandalas y bloques de edificios.

Entretanto, nos reconforta asegurándonos que cierta obra de Anthony Gormly no nos debe preocupar, pues “no nos convertimos en monstruos”, pese a todo. Esta obra, una especie de bicho humano construido a base de rodamientos forjados, podrá ser ingeniosa (aunque poco), pero la verdad es que da risa, y uno no se explica por qué Betsky se toma la molestia de advertirnos de que jamás nos vamos a convertir en esa cosa tan fea como absurda. “Salvo porque”, sostiene, “pronto dejaremos de ser la medida de todo lo que vemos para convertirnos en trocitos que flotan en el universo”. A mí no me importaría, pero no quisiera que semejante cosa le sucediera a mi hija. En este contexto, en cualquier caso, hay bastantes obras merecedoras de atención. Por ejemplo, una de Hyungkoo Lee (Anas animatus, 2006), consistente en esqueletos del Pato Donald, o las dos fotografías de Dionisio González, de arquitecturas brasileiras, reales e imaginarias. Y otros trabajos realmente interesantes, de los que no puedo ocuparme aquí, y que podrían haber sido mejor tratados por quien los seleccionó.

Pero lo más asombroso es que la sección dedicada a los vídeos sea tan buena. Esto -creo- no es normal. Porque los vídeos artísticos suelen ser enormemente aburridos (ésta es la verdad, que casi todo el mundo conoce, aunque no lo diga por ahí). Robert Storr, sin embargo, con la colaboración de Francesca Pietropaolo, ha conseguido por fin que valga la pena pasarse un buen rato en un museo mirando vídeos. Storr (cuyo texto en el catálogo es, sin duda, de los mejores) demuestra su inteligencia dando cuenta del problema, “ético y estético”: “Les incumbe a los comisarios considerar con cuidado cuánto tiempo de su ajetreado día y breve vida dedicará una persona”… a mirar esos vídeos. Incluso se ha preocupado de contar el tiempo necesario para verlos: “Cinco horas, dieciséis minutos y cuarenta y nueve segundos”. Pues bien: uno podría pasarse algo más de tiempo contemplando esos vídeos. Son pocos (gran idea), pero buenos. Aunque un tanto melancólicos en general. Hablan de “confines del tiempo” o de “arrugas en el tiempo”. Es casi inevitable, porque cuando hablamos de confines o de límites, lo que más cuenta es el tiempo. ¿O no? Las imágenes de Patricia Esquivias, ante fachadas de edificios que registraba durante horas o minutos; las alucinaciones de Jishri Abichandani, en la India; los rostros silenciosos de Harry Shearer (que incluyen a Obama, como a los demás políticos, en televisión, pero en espera); las figuras agitadas o detenidas de la Roma del grupo Zimmerfrei, la sonrisa conmovedora de Olga Chernysheva en las calles de Rusia, o los documentos de Jonas Mekas (365 Day Proyect, 2007)…

Y finalmente, el espacio de Robert Wilson. No puedo describirlo. Hay casi de todo. Se entra por un pasillo oscuro en donde alguien (algún loco) dice algo sin importancia. Y luego se ingresa en un espacio diáfano, lleno de cosas. Por el suelo: fotocopias eróticas pisables, zapatos femeninos de época, relojes-despertadores… Por las paredes, carteles, grafitis, cebollas pintadas, mensajes absurdos, o políticos. Por encima: lámparas en movimiento. Cada diez minutos suena la alarma y se apaga la luz. Yo mismo le di una patada a uno de los relojes-despertadores que había en el suelo. El vigilante de turno volvió a ponerlo en su sitio, dándome a entender que la cosa no tenía importancia. En una esquina hay una pieza de Misaki Kawai, que sólo puede ser examinada de cerca quitándose los zapatos. Lo siento, pero no la he examinado de cerca.

Lo interesante de todo esto es que es divertido. Y lo que cuesta entender es que tenga que justificarse a título de confines. El texto que presenta a Robert Wilson en el catálogo es de Lucrecio, y habla de La plaga de Atenas. Este texto es bueno. El de Laura Albert, que también acompaña a Wilson, es peor. Hablando de John Cage, va y dice: “Es difícil para un compositor hacer ver que su combinación de sonidos es más sexy que cualquier otra”. De modo que volvamos atrás (a Lucrecio): los atenienses morían “ahogados al sentir la gran dulzura / que les causaba el agua que bebían”. En esas circunstancias sí que eran importantes los confines.

LEVANTE-EMV VALENCIA Jueves 19 de noviembre de 2009
La carrera de Rablaci , el hijo de la directora del IVAM, Consuelo Ciscar y del conseller y portavoz del PP en las Corts, Rafael Blasco, continúa viento en popa. Ahora, la Embajada de España en Japón ha inaugurado una exposición que combina esculturas de hierro con fotografías en color, en las que el eje central son la boca, el pie o un tatuaje de su autor, de 22 años de edad y que todavía cursa estudios de Bellas Artes.
Materia y Espíritu incluye una docena de piezas escultóricas de hierro, caracterizadas por picos prominentes que simulan la boca de un pájaro, y cerca de una decena de fotos que muestran parte del cuerpo del artista.
Entre las esculturas se pueden ver tamaños muy distintos, desde el de una persona hasta el de una serpiente, y formas circulares y, sobre todo, lineales.
El joven artista, que asegura inspirarse en escultores como Julio González o Ramón de Soto, incluyó también en la muestra una instalación de hojarasca real, cuyo aspecto recuerda al del fondo de sus fotografías.
La muestra, que llega a Japón tras pasar por la galería de arte Raquel Ponce de Madrid y el templo taoísta Hong Miao de Shanghai, se podrá ver en la Embajada de España en Tokio hasta el próximo 3 de diciembre.
Rablaci ya ha tenido la suerte de exponer fuera de España y ha sido invitado a participar en la próxima muestra Cien por Cien Valencianos dedicada a los jóvenes valores y que prepara la Generalitat. Su inclusión provocó el rechazo de algunos de los miembros del comité de selección, aunque al final pesó más la decisión del comisario de la muestra, el vicerrector de la Universitat, Rafael Gil.
Hace unos días se revelaba que mientras Rablaci exponía en el Convento de Cristo de Tobar, la hija del presidente de la fundación del mismo museo, estaba exponiendo ahora en el IVAM.

El Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) y el Centro Cultural de Cascais, en Portugal, mantienen un fructífero convenio de colaboración que beneficia también a los hijos de los dirigentes de ambas instituciones. La Sala de la Muralla del IVAM inauguró el martes pasado una exposición a cuatro manos con la obra de dos artistas de vanguardia de Portugal, Ana Sério y Mónica Capucho, dos jóvenes de reconocible valor creativo aunque sin apenas nombre en el panorama artístico internacional. La exposición viene avalada por la Fundação D. Luís I de Cascais, que gestiona con el Ayuntamiento de la ciudad el Centro Cultural de Cascais, institución con la que el IVAM suscribió un convenio de colaboración.

El responsable del Centro Cultural de Cascais es el padre de Mónica Capucho

Rablaci es hijo de Consuelo Ciscar y del consejero Rafael Blasco

En apariencia todo correcto y puramente motivado por cuestiones artísticas. Hasta que alguien advierte que Mónica Capucho es hija del alcalde de Cascais, António d’Orey Capucho, a su vez presidente de la Fundação D. Luís I, luego máximo responsable de la sala portuguesa que promociona el arte en sincronía con el IVAM. Y si se tiene en cuenta que esta institución también ha expuesto la obra de Rafael Blasco Ciscar, hijo de la directora del IVAM, Consuelo Ciscar, y del consejero Rafael Blasco, la relación entre ambas instituciones se parece mucho a un curioso mecenazgo cruzado que favorece a los hijos de sus responsables.

Rablaci (Valencia, 1987), que firma con este acrónimo quizá para eludir la fuerza implícita de sus apellidos, participó en verano de 2008 en una exposición colectiva de seis artistas, titulada Private bodies 3 en el Centro Cultural de Cascais. Y aunque apenas tiene 22 años y todavía estudia la carrera de Bellas Artes, ya cuenta con exposiciones individuales en varias ciudades chinas (Hang Zhou, Su Zhou y Shanghai) en las que, cómo no, el museo valenciano ha estrechado lazos, tiene obra permanente en La Habana, y ha mostrado su obra en exposiciones colectivas en Valencia, París o varias ciudades portuguesas. Es más, hasta consiguió un accésit en la categoría de escultura, dotado con 6.000 euros, de los XXVI premios Bancaixa, unos galardones que se exponen cada año, también, en la propia sede del IVAM.

Lógicamente, estas coincidencias no desmerecen la creatividad de sus autores, que evaluarán los expertos. En cuanto a la de Capucho, se puede admirar en el IVAM hasta el 3 de enero.