ed Cartelera Turia

Quién te ha visto y quién te ve. Es la expresión que más se ajusta a la realidad de un museo, el IVAM, que acusa un peligroso declive en el vigésimo aniversario de su existencia. Qué lejos quedan los tiempos en que este enclave fue una referencia en el circuito internacional del arte moderno. Fue llegar la derecha al gobierno de la Generalitat y comenzar un período errático, sobre todo a partir de la llegada de Cosme de Barañano que, más que romper con el pasado, marcó un punto de inflexión y pendiente hacia el abismo, agujero negro que está culminando Consuelo Císcar. Lo peor no es la falta de inversiones en la adquisición y gestión de fondos, aparte las donaciones. En realidad, bien poco queda en la tarta presupuestaria para este capítulo, si las prioridades apuntan hacia circos ruinosos como la Fórmula 1, la Copa del América que en paz descanse y saraos parecidos que, contrariamente a lo que barrunta la alcaldesa, están bastante lejos de situar a Valencia en el foco de atención del mundo mundial. Cuando el IVAM era parada obligada en el recorrido de las más prestigiosas muestras y exposiciones internacionales, es posible que su influjo no tuviera precio. Coste, sí. Como todo. En este caso, una gestión coherente y proporcionada a unos presupuestos bastante más equilibrados que en nuestros aciagos días de endeudamiento, boato y propaganda flatulenta. El desprestigio arrecia. La devaluación del otrora referente del arte moderno en los circuitos mundiales tiene su correlato en la programación de carácter provinciano y el escaso rigor en la gestión de la institución. Artistas, críticos y galeristas exigen un código de buenas prácticas, a todas luces incompatible con estas autoridades premodernas, incultas y aldeanas que ocupan el organigrama gubernamental del señorío. Cualquier comparación del IVAM con antiguos homólogos como el Reina Sofía de Madrid y el Macba de Barcelona es como imaginar la entrega de los Óscar de Hollywood en un cine de barrio de los años cuarenta, con asientos de madera, pantalla de lona y algarabía en el patio de butacas. La sensibilidad artística de la autoridad competente ha descendido hasta la altura donde la columna vertebral pierde su nombre. Pero en su imaginario triunfal creen seguir atrayendo a lo mejor de cada casa en cuestión de arte moderno. Por eso exhiben un programa que disuade al turista más inculto. Tiene razón la alcaldesa. Lo que han hecho con el IVAM no tiene precio.

ADOLF BELTRAN / FEDERICO SIMÓN

Exigen un código de buenas prácticas en la institución

Las críticas a la gestión de Consuelo Ciscar al frente del Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) por su línea de exposiciones errática y por la pérdida de prestigio siguen arreciando. Ahora llega el turno de los galeristas, los críticos de arte y los artistas visuales, que han solicitado al Ministerio de Cultura que exija al museo de Valencia la aplicación del Código de Buenas Prácticas implantado por el Gobierno que “ha demostrado su eficacia en el funcionamiento de instituciones en numerosos puntos del Estado español”. De hecho, hasta exigen que “valore la idoneidad de las subvenciones” concedidas “a instituciones que están lejos de cumplir el citado código”, con una referencia explícita al IVAM.

Así lo comunican en una carta remitida al ministerio por la asociación Ciutadans per una cultura democràtica i participativa, suscrita por la Associació Valenciana de Crítics d’Art (AVCA), la Associació de Galeries d’Art Contemporani de la Comunitat Valenciana (AGACCV) y Artistas Visuals de València, Alacant i Castelló (AVVAC).

“Nos parece impresentable que Ciscar pida más dinero al Gobierno para hacer una gestión mejor cuando con el que tiene ha hundido el museo”, se queja Josep Benlloch, presidente de Ciutadans, que pregunta: “¿Qué artistas internacionales ha traído en estos años? En comparación con sus predecesores, [Vicent] Todolí o [Carmen] Alborch, lo que exhibe ahora es ridículo”. Y compara la “programación provinciana” del IVAM con la que hacen el Reina Sofía de Madrid o el Macba de Barcelona, que “muestran exposiciones de relevancia internacional”. Benlloch critica que esté al mando del museo de Valencia una política “que no es una experta en arte contemporáneo aunque firme como comisaria de las exposiciones”.

Por eso, el presidente de Ciutadans exige que se convoque un concurso nacional o internacional para seleccionar un gestor que tenga una línea de programación adecuada con el objetivo de dar a la institución la relevancia y repercusión que se merece. Y Benlloch hasta pone el ejemplo de dos museos que han hecho esa convocatoria en autonomías gobernadas por el PP: el Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC), en Santiago de Compostela, y el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (Musac), en León.

En el comunicado se pide el mismo tipo de concurso para el Museo de Bellas Artes San Pío V, tras la retirada de su director.

Sería mucho pedir que la Conselleria de Cultura promoviera alguna iniciativa. Que hiciera algo, además de patalear y manipular, como gusta a su titular, Trinidad Miró. Podría, por ejemplo, proteger sus bienes de interés cultural, como la torre vigía de Orpesa o el barrio del Cabanyal. Pero el patrimonio no parece una prioridad, a menos que sea religioso. Podría, al menos, sacar de su lacerante letargo al Museo de Bellas Artes San Pío de Valencia. La Generalitat se jacta de gestionar la segunda pinacoteca de España y, sin embargo, la deja languidecer con un presupuesto exiguo, un mantenimiento insuficiente y una programación muy poco ambiciosa. Ni siquiera cuenta hoy con un director titular. La notable colección del museo no merece tanta desidia. Tal vez la convocatoria de un concurso internacional ayudaría a relanzar el museo tras la adjudicación por parte del Ministerio de Cultura de su quinta fase de ampliación, en la que prevé invertir más de 14 millones de euros.
El Macba y el Museo Nacional Reina Sofía lo hicieron así y no les va nada mal. El Macba de Barcelona, por cierto, está dirigido por un antiguo conservador del IVAM, Bartomeu Marí, y el Reina, por el castellonense Manuel Borja-Villel. Éste siempre miró como referente al museo valenciano donde empezaron Vicent Todolí, director de la Tate Modern de Londres, y otros reconocidos profesionales. La alianza entre la formación y el talento es una condición para alcanzar la excelencia. Y es, además, un paliativo contra las crisis. El actual IVAM, sin embargo, opta por embarcarse en la corriente victimista del PP. Su directora, Consuelo Ciscar, pide más dinero al Gobierno y se calla que la Generalitat es la única responsable del recorte del 30% en su presupuesto y que el Gobierno de Aznar ni daba ayudas directas. Más conveniente sería que se planteara las razones del descrédito en que ha caído el IVAM. Y que reflexionara sobre si su contribución personal mediante decenas y decenas de exposiciones que firma como comisaria o cocomisaria sobrevenida y con sus sesudos textos sobre artistas de latitudes y estilos dispares, mejora la situación.
Tampoco mejorar nuestros bajos índices de lectura es una tarea sencilla. Entre otras razones, por el desinterés de la Conselleria de Cultura, como prueba su renuncia a ocho millones de euros para comprar libros destinados a bibliotecas públicas según el plan del Gobierno. No debe extrañar, por tanto, que el Consell rechace también los ordenadores para los estudiantes del Ministerio de Educación.
Así pues, ni libros ni ordenadores… Ópera, sí. Pero es un espectáculo caro que multiplica su coste por el enorme contenedor del Palau de les Arts. Para su construcción (400 millones de euros, 66.000 millones de pesetas) no se requirió financiación a Aznar, que, por cierto, impuso que el Gobierno debe tener poder de decisión en los escenarios que financia o comparte titularidad (casos del Liceo y del Teatro Real). Ahora, Miró, día sí y día no, reclama más dinero al Gobierno. El despilfarro y los serios problemas de gestión del Palau son insoslayables, así como el éxito de montajes como la tetralogía de Wagner y el de su joven orquesta, que suena muy bien. El Ministerio de Cultura se ha comprometido a incrementar la aportación.
Por el contrario, la Generalitat desafina ruidosamente cuando desprecia a las sociedades musicales (40.000 intérpretes de banda y 60.000 alumnos) y les reduce fondos. Las bandas ejercen una función cultural y social encomiable, reconocida internacionalmente. La Federació de Societats Musicals, por ejemplo, coopera con Colombia en un programa para integrar a los jóvenes en un modelo asociativo musical similar al valenciano en poblaciones que se dedicaban al cultivo de la cocaína. El Gobierno ha reconocido en sus presupuestos esta afición por la música, un hecho diferencia de la cultura valenciana, junto a la lengua propia, también ignorada por el Consell. Pero ese es otro cantar.

Pero hay cosas  de peor educación que hablar de dinero, como por ejemplo no aceptar las críticas a la cara desde el poder público. El caso de Consuelo Ciscar, directora del IVAM desde 2004, es evidente. Desde 1995 ha sido Directora General de Cultura; Directora General de Patrimonio, Museos y Bellas Artes; Directora de Promoción Cultural; Secretaria Autonómica de Cultura etc. Acostumbrada a que todos le hagan la ola por aquello de que siempre ha repartido “pasta” como flores las falleras, no le parece bien que alguien le plante cara. Ella que siempre ha dicho que ” a la crítica la compro yo con una cena y poco más”, cree que si a una publicación le quita la publicidad ( los catálogos, la información y hasta el saludo) sus criticos tienen que agachar la cabeza a su paso. Pues mire usted que no. A todos nos gustaría tener una tía como Consuelo, que nos regañe con cariño cuando llegamos tarde, pero como directora de un centro como el IVAM, no nos parece lo más adecuado que grite y amenace en público a un crítico que ha firmado en esta publicación una crítica suave para lo que podría ser. Claro que no todos los críticos son Paco Calvo, ni estan en su patronato, ni todos los críticos dirigen la revista del IVAM, ni todos los críticos y revistas están mantenidos por Consuelo Ciscar. Váyase usted acostumbrando, señora, a que hay mas opiniones que la suya, y que la educación es gratis.

La identidad del arte actual es revisada en cuatro muestras bajo el título Confines, Valencia 09. Las obras expuestas son válidas, pero las premisas teóricas flaquean

Un conjunto de cuatro exposiciones presentadas bajo el título de Confines, Valencia 09. Pasajes de las artes contemporáneas puede dar para mucho. Y así es, en efecto. Pese a todo, el principal problema es que “confines” resulta ser una palabra que no significa nada. Tal vez por eso en el catálogo encontramos tantos y tantos textos (más de quince) que se esfuerzan en explicarnos el asunto: ‘Pensar el confín’, ‘Historias del confín’, ‘Geografías del confín’ y ‘Visiones del confín’. Es claro que son muchos los autores aparentemente versados sobre el problema del “confín”. Y no es extraño, puesto que confín (o límite, o frontera) no significa nada en absoluto que no signifique lo contrario de lo ilimitado. Ahora bien, expertos en lo ilimitado los hay, por lo visto, a mansalva.

De todos modos parece un poco chocante que Vincenzo Trione, alguien apreciable e inteligente, y que se encuentra tras este proyecto, sea capaz de hablar, en sus páginas de presentación del asunto, de “las fronteras de lo visible”, las “gramáticas de la creación”, “el suicidio de Cézanne”, “la escritura del horizonte”, “las puertas de lo invisible”, “los laberintos de la percepción”, las “heridas del mundo” y “los límites del cielo”, entre otras cosas igualmente importantes, por no hablar de aquellas que he echado en falta, y de las que no me acuerdo ahora mismo. Dice Trione también que los confines (necesarios, claro está) son “invenciones y, a la vez, realidades”. Yo creo recordar que esto ya lo sostuvo Hegel, pero no importa, porque hasta el viejo Heráclito de Éfeso, remitiendo al logos, y no a sí mismo, fue algo menos barroco y más certero.

No obstante, los textos no nos deberían desorientar más de la cuenta. El arte no depende (sólo) de los textos, sino (sobre todo) de sí mismo. De hecho, las obras que componen esta cuádruple exposición se encuentran, en general, bastante por encima de sus particulares peroratas presuntamente justificatorias. Hay una sección, a manera de prólogo, titulada Historias del confín. Obviamente, no hay manera de hacer historias del confín, de modo que la cosa se resuelve con obras que son valiosas, pero que podrían ser sustituidas por cualesquiera otras. ¿De qué hablamos? Pues de Rothko, Newman, Stella, Buren, Soulages, Tàpies, Fontana, Scully, los valencianos Sanleón y Navarro (buenas contribuciones, por cierto), y de dos piezas anodinas de Carl Andre. Hay también piezas del gran Matta-Clark, unas fotos muy bien montadas e iluminadas (esto Trione lo hace realmente bien), que se agradecen.

Hay otra sección, de cuyo nombre no estoy seguro (Geografías del confín, me parece, o bien Poderes de la ten[sión] -mayúscula mía, el resto no-, a propósito de la cual Aaron Betsky escribe un texto titulado El arte de las fronteras. En él, aparte de hablar de la “disolución” del arte, cosa que, según se deduce, aprendió tras ciertas experiencias infantiles (con microscopios en “la clase de ciencias”, que le hizo consciente de lo “inestable” del “universo”), y tras estudiar debidamente a Foucault y Derrida, nos habla de píxeles, mandalas y bloques de edificios.

Entretanto, nos reconforta asegurándonos que cierta obra de Anthony Gormly no nos debe preocupar, pues “no nos convertimos en monstruos”, pese a todo. Esta obra, una especie de bicho humano construido a base de rodamientos forjados, podrá ser ingeniosa (aunque poco), pero la verdad es que da risa, y uno no se explica por qué Betsky se toma la molestia de advertirnos de que jamás nos vamos a convertir en esa cosa tan fea como absurda. “Salvo porque”, sostiene, “pronto dejaremos de ser la medida de todo lo que vemos para convertirnos en trocitos que flotan en el universo”. A mí no me importaría, pero no quisiera que semejante cosa le sucediera a mi hija. En este contexto, en cualquier caso, hay bastantes obras merecedoras de atención. Por ejemplo, una de Hyungkoo Lee (Anas animatus, 2006), consistente en esqueletos del Pato Donald, o las dos fotografías de Dionisio González, de arquitecturas brasileiras, reales e imaginarias. Y otros trabajos realmente interesantes, de los que no puedo ocuparme aquí, y que podrían haber sido mejor tratados por quien los seleccionó.

Pero lo más asombroso es que la sección dedicada a los vídeos sea tan buena. Esto -creo- no es normal. Porque los vídeos artísticos suelen ser enormemente aburridos (ésta es la verdad, que casi todo el mundo conoce, aunque no lo diga por ahí). Robert Storr, sin embargo, con la colaboración de Francesca Pietropaolo, ha conseguido por fin que valga la pena pasarse un buen rato en un museo mirando vídeos. Storr (cuyo texto en el catálogo es, sin duda, de los mejores) demuestra su inteligencia dando cuenta del problema, “ético y estético”: “Les incumbe a los comisarios considerar con cuidado cuánto tiempo de su ajetreado día y breve vida dedicará una persona”… a mirar esos vídeos. Incluso se ha preocupado de contar el tiempo necesario para verlos: “Cinco horas, dieciséis minutos y cuarenta y nueve segundos”. Pues bien: uno podría pasarse algo más de tiempo contemplando esos vídeos. Son pocos (gran idea), pero buenos. Aunque un tanto melancólicos en general. Hablan de “confines del tiempo” o de “arrugas en el tiempo”. Es casi inevitable, porque cuando hablamos de confines o de límites, lo que más cuenta es el tiempo. ¿O no? Las imágenes de Patricia Esquivias, ante fachadas de edificios que registraba durante horas o minutos; las alucinaciones de Jishri Abichandani, en la India; los rostros silenciosos de Harry Shearer (que incluyen a Obama, como a los demás políticos, en televisión, pero en espera); las figuras agitadas o detenidas de la Roma del grupo Zimmerfrei, la sonrisa conmovedora de Olga Chernysheva en las calles de Rusia, o los documentos de Jonas Mekas (365 Day Proyect, 2007)…

Y finalmente, el espacio de Robert Wilson. No puedo describirlo. Hay casi de todo. Se entra por un pasillo oscuro en donde alguien (algún loco) dice algo sin importancia. Y luego se ingresa en un espacio diáfano, lleno de cosas. Por el suelo: fotocopias eróticas pisables, zapatos femeninos de época, relojes-despertadores… Por las paredes, carteles, grafitis, cebollas pintadas, mensajes absurdos, o políticos. Por encima: lámparas en movimiento. Cada diez minutos suena la alarma y se apaga la luz. Yo mismo le di una patada a uno de los relojes-despertadores que había en el suelo. El vigilante de turno volvió a ponerlo en su sitio, dándome a entender que la cosa no tenía importancia. En una esquina hay una pieza de Misaki Kawai, que sólo puede ser examinada de cerca quitándose los zapatos. Lo siento, pero no la he examinado de cerca.

Lo interesante de todo esto es que es divertido. Y lo que cuesta entender es que tenga que justificarse a título de confines. El texto que presenta a Robert Wilson en el catálogo es de Lucrecio, y habla de La plaga de Atenas. Este texto es bueno. El de Laura Albert, que también acompaña a Wilson, es peor. Hablando de John Cage, va y dice: “Es difícil para un compositor hacer ver que su combinación de sonidos es más sexy que cualquier otra”. De modo que volvamos atrás (a Lucrecio): los atenienses morían “ahogados al sentir la gran dulzura / que les causaba el agua que bebían”. En esas circunstancias sí que eran importantes los confines.